arte 라이브러리

어릴 적 피아노 학원에 다녀본 사람은 많지만, 성인이 된 이후에도 피아노 연주를 즐겨 하거나 좋아하는 연주자가 있다거나 피아노 연주회를 가 본 사람은 손에 꼽는다. 왜 그런 것일까?  저자 김태희는 이런 현상의 원인을 부모가 예술을 어려운 것이라 생각하여 일단 배제하고 소위 ‘주요 과목’이라 말하는 국어, 영어, 수학 교육에만 열을 올리는 데에서 찾는다.  『행복한 인재로 키우는 예술의 힘』은 이런 잘못된 행태를 언급하고, 어린이 예술교육의 올바른 방향을 제시하고 있다. 또한 올바른 예술교육과 아이들의 창의력, 회복탄력성 사이의 관계를 설명하며 어린이 예술교육의 중요성을 강조한다. 이 책을 통해 우리가 지향해야 할 예술교육과 예술에 대한 올바른 가치관과 방향성을 정립해 볼 수 있을 것이다.    [책표지 이미지 출처 :네이버 책]  

  지역과 계층의 불평등을 넘어, ‘꿈의 오케스트라’, 뜨거운 10년의 기록영화 〈스쿨오브락〉 〈스윙걸즈〉 〈코러스〉의 공통점은 무엇일까? 바로 아이들이 주인공인 음악영화라는 점이다. 영화별로 캐릭터도, 주요 음악 장르도 제각각이지만 세 편의 영화에는 공통점이 한 가지 있으니, 바로 질풍노도 시기의 아이들이 음악활동을 통해 새롭게 태어난다는 점이다. 과연 음악으로 한 사람의 인생을 변화시키는 것이 가능할까? 이런 놀라운 일이 지난 10년간 우리 사회에서 일어나고 있었다면 어떨까? 『음악은 흐른다-어디에서든 누구에게나』는 아동, 청소년의 오케스트라 활동을 통해 새로운 가능성을 모색해온 음악교육 프로그램 ‘꿈의 오케스트라’(이하 ‘꿈오’) 10년의 역사를 담았다. 이들은 1975년 베네수엘라의 호세 안토니오 아브레우가 창립한 최초의 국립 청소년 오케스트라 '엘 시스테마' 를 벤치마킹해 『음악은 흐른다』 에서 '한국형 엘 시스테마' 를 최초로 조명한다. 한국문화예술교육진흥원ㆍ문화체육관광부ㆍ지역운영 단체 등 여러 기관의 협업을 통한 꿈의 오케스트라 사업은 부유층의 전유물로 여겨지던 클래식 음악의 권위를 깨고, 다양한 지역과 계층의 아이들에게 평등한 음악교육의 기회를 제공해왔다. 2020년 현재 ‘꿈오’ 사업에는 전국 47개 거점, 2,900명의 아이들이 오케스트라 단원으로 활동 중이며, 이들은 활발한 공연 활동으로 지역사회에 풍성한 음악적 환경을 제공하고 있다. 『음악은 흐른다』는 그간 이 프로그램에 참여해온 음악감독ㆍ단원ㆍ학부모ㆍ강사 등 총 32인의 인터뷰를 수록했다. 헌신적인 음악감독과 거점기관의 코디네이터, 이들 덕분에 전문 연주자의 길을 걷게 된 음악가들, 또 그들에게 음악을 배우는 후세대 아이들의 목소리가 한 곡의 합창처럼 어우러진 이 책은 음악이 차별 없이 흐를 때의 기적을 생생하게 전한다.    "모두가 음악을 경험한다면, 세상은 더 아름다워질 것이다." [책표지 이미지 출처 : 네이버 책]

오늘날 공교육 안에서 일어나는 치열한 경쟁 구도 시스템을 보자. 약 35개의 수업 중 예술 관련 수업은 1~2개에 지나지 않으며, 이마저도 다른 과목에 밀려 자습 시간으로 전락해버린 것이 대한민국 예술교육의 현실이다. 이처럼 학교 성적과 대학 진학에 치우쳐 예술을 등한시하는 분위기가 만연한 시대, 현대 사회에 대한 비판과 예술교육에 대한 새로운 시각을 제공하는 책을 소개하고자 한다. 『뮤즈, 학교에 가다』에는 예술교육의 현장에 있는 사람들, 예술교육의 필요성과 중요성을 몸소 실감한 다양한 예술 분야의 사람들이 직접 이야기하는 예술교육에 대한 여러 가지 견해가 들어 있다. 책 속 필자들은 하나같이 예술이 모든 교육의 근본이고, 가장 중요한 것이라 강조하며 오늘날 교육 시스템에 대한 비판과 앞으로 나아가야 할 방향을 함께 제시한다. ‘창조적인 예술은 모든 교육의 핵심 요소이다!’라는 저자의 주장을 새길 필요가 있다. 

지금 이 시간에도 새로운 콘텐츠가 등장하고 있다. 등장한 콘텐츠들이 저작권이라는 틀 안에서 어떻게 인식될 수 있을까. 저자는 우리가 알법한 소재를 다루며, '예술의 현실'과 '작가의 양심'을 묶어 법과 함께 이야기한다. 이 책은 저자의 말처럼 저작권 실무에 필요한 정답 보다는 저작권이라는 틀 안에서 인간과 사회에 대해 질문을 던지며 법과 상식의 괴리를 다루고 있다.    

이 책은 현장 기획자 및 예술강사들이 수업/활동에서 만나려는 대상에 대한 '이해'를 돕기 위해 쓴 책이다. 문화예술교육은 대상에 대한 깊은 이해를 바탕으로 각 대상별 접근법이 달라져야 하기 때문에 이를 위한 수업/활동혁명이 필요하다. 저자는 어린이와 청소년, 청년, 성인, 50+/노인 대상별로 특성을 서술하였으며 각 대상을 '문제'가 아닌 '존재'로 바라보는 태도가 중요하다고 말하고 있다.  

저자는 우리 교육이 '생각'보다는 많이 가르치고 배우는 것에 치우쳐 있다고 보고, 교육방법과 평가를 바꾸어야 한다고 주장한다. 학습에 대한 연구와 교육현황 파악 등을 바탕으로 생각 중심 교육 방안을 제기하고 있다.

4차 산업혁명 시대에서 메이커 문화를 바라보는 시각은 다양하다. 이 책에서는 다섯 저자가 현재 대학, 정부 기관, 비지니스 현장에서 진행되는 메이커 문화 사례와 이론, 자전적 스로티 인터뷰를 통해 메이커 문화의 의의와 창작자 시점에서의 다양한 양상을 소개한다. 더 나아가 디자인, 문화예술교육 전반에 메이커 교육을 어떻게 활용할 것이고 디지털 시대에서의 디자인-메이커 교육에 대해 다면적으로 논의하였다.  

문화예술교육 출범 국내·외 정책적 배경과 변화, 정책 구현과 비전 및 가치, 정책과 현장을 연결하는 새로운 시도 변화와 구현 등을 살펴봄으로써 문화예술교육 현장과 정책을 상호유기적이며 다각적으로 접근한다.  이 책은 저자들의 문화예술교육 정책과 현장 경험들을 녹여 3부로 구성하였다. 문화예술교육 출범 사회상과 교육 담론을 소개하고 현장과 문화예술교육 정책의 중간 매개자의 입장에서 현장 정책 및 기획담론을 담았다. 그리고 지역 분권화 시대에서의 쟁점을 '문화 정책과 공공성', '문화예술교육 정책'으로 압축하여 문화예술교육의 새로운 방향을 제시하였다.  

이 책은 지역에서 활동하는 문화예술교육 전문인력들이 가져야하는 현장 자원과 협력관계 활동 역량에 대해 논의한다. 한국 문화예술교육 자원은 크게 3가지로, 첫 번째 공간 자원 둘째 인적 자원, 셋째 재정 자원으로 나누어 살펴보았다. 지역 문화예술교육 기획자들에게 3가지 자원들을 활용하여 성공적인 협력방법 모색할 수 있는 가이드를 제공한다.      

그동안 문화예술교육은 문화 기반 시설이나 대여 공간 등 부수적 공간을 중심으로 활용되어 왔다. 그러나 최근 공간의 중요성을 알고 이를 활용해 예술적 영감을 일으키는 곳이 자연스럽게 생기고 있으며 서울, 추천, 영주, 청주, 광주, 전주, 제주 등 전국의 곳곳에서 문화예술과 교육 프로그램을 접할 수 있는 공간 15곳을 소개하고 있다. 유휴 시설을 재활용해 창의적인 문화예술 공간으로 변화한 공간, 정형화된 학교 교육과 교실에서 벗어나 다양성을 더욱 풍부하게 만들어 주는 현장, 지역 주민과의 커뮤니케이션이 이루어지고 주민들의 일상적인 삶에 녹아드는 문화예술 공간 등을 만나볼 수 있다. 그리고 이러한 공간들을 직접 방문하여 교육적, 공간적 차원에서 고유의 특색을 면밀히 살펴보고, 그곳에서 활동 중인 사람들을 만나 문화예술교육이 어떻게 펼쳐지고 있는지를 살펴본다.  ♦ '삶이 예술이 되는 공간' 관련 arte365 칼럼 바로가기 

장인(Craftsman)이란 무엇인가. 저자는 우리의 머릿속에 존재하는 장인의 이미지를 지적하며 21세기에 필요한 장인에 대한 새로운 개념을 제시한다. 1부에서는 역사 속 장인의 모습과 그들의 작업장, 신념에 대해 자세히 다룬다. 2부에서는 구체적으로 머릿속의 지식이 어떻게 손과 관계를 맺는지에 대해 설명하고 이 과정에서 ‘생각하는 손’이 가진 능력과 가치에 대해 주목한다. 마지막으로 3부에서는 우리가 흔히 ‘장인 정신’이라 부르는 작업에 대한 욕망과 의지가 어떻게 발현되는지 살펴본다. 이 책을 통해 저자는 현대 사회에서 쉽게 생략되어 드러나지 않는 숙련된 노동의 가치와 자본을 얻기 위한 수단이 아닌 일 자체의 완성도를 높이려는 인간 본성의 숭고함을 드러내고자 한다.

이 책은 각 분야에서 창조성을 발휘한 사상가·과학자·예술가들이 영감을 얻는 방식인 그들만의 ‘생각’하는 도구를 구체적으로 제시한다. 레오나르도 다빈치, 아인슈타인, 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹 등이 사용한 생각 도구 13가지인 ‘관찰, 형상화, 추상화, 패턴인식, 패턴형성, 유추, 몸으로 생각하기, 감정이입, 차원적 사고, 모형 만들기, 놀이, 변형, 마지막으로 통합’을 구체적인 사례들 들어 설명한다. 이와 함께 13가지 도구들을 적절히 활용하여 잠재된 창조성을 깨우는 법을 소개하고 세계를 통합적으로 사유하는 전인교육의 필요성을 강조한다.

이 책은 무언가 만들고 실패하더라도 다시 연구하는 여정 자체를 즐기는 릴리쿰의 활동을 소개하고 있다. 릴리쿰에서는 ‘만들기’를 새로운 삶의 방법으로 취하여 환경과 일상을 복원하려는 사람들이 모여 활동한다. 그들은 유행처럼 번져가는 ‘메이커 운동’에서 핵심은 만드는 행위 자체에서 머무는 것이 아니라 소비에 익숙해진 환경에서 능동적인 삶의 태도를 발견하는 것이라고 말한다. 이를 통해 ‘손으로 만드는 삶’ 자체에 대한 깊은 고민과 기쁨을 보여준다. 참고 자료 : 아르떼 365 “목적지가 아니라 여정이다_박지은 릴리쿰 공동대표 인터뷰” (http://www.arte365.kr/?p=69024)

이 책은 1970년대 초부터 40여 년간 링컨 센터 인스티튜트의 상주 철학자로 활동하며 심미적 체험을 통한 예술 교육의 개념을 설파해온 맥신 그린 박사의 강의록을 담고 있다. 박사는 심미적 교육이란 단순히 예술을 기능적으로 교육하는 것이 아니라 예술 작품을 상상력을 발휘해 나만의 관점으로 능동적으로 재해석하며 이것을 통해 나와 세계의 변화에 예민하게 반응하는 깨어있는 인간으로 거듭나게 하는 것이라고 정의한다. 이러한 교육을 위해서 학생들과의 접점이 많은 교사들부터 심미적 체험을 통해 감수성을 회복하는 경험이 필요하다고 주장한다.

서울문화재단의 ‘창의예술교육과정’의 강의록을 모아서 만든 책으로, 예술 교육과 미적 체험에 대한 연극, 시각, 음악, 무용, 교육학 분야 전문가들의 관점을 소개한다. 예술 교육이란 무엇이며 각 장르적 특성과 어떻게 연계가 되고 현장의 수업으로 이어지는지에 대한 전문가들의 성찰 과정을 보여준다.

이 책은 문화예술교육의 선진 사례로 자주 소개되는 북유럽 4개국의 예술교육 현장을 학자, 예술교육 프로그램 프로듀서, 서울문화재단 문화예술교육 실무자가 답사하고 온 뒤 작성한 보고서이다. 핀란드 헬싱키의 아난딸로 아트센터, 스웨덴의 서커스 시르쾨르, 영국의 로열오페라 하우스, 벨기에의 ABC센터(Art Basics for Children)의 구체적 사례를 담고 있으며, 북유럽 4개국의 교육 정책과 관계자 인터뷰를 함께 실었다. 

시시각각 변하는 사회에서 앞으로의 교육은 어떤 방향이어야 할까? 저자는 지식을 일방적으로 전달받는 기존의 교육 시스템과는 다른, 예술을 통해 질문하고 스스로 성찰하는 통합예술교육의 개념을 소개한다. 이 책은 통합예술교육 입문서로서 통합예술교육의 정의와 기본개념, 등장 배경, 효과와 특징을 설명하고, 통합예술교육의 구체적인 사례와 발전 과제를 설명하며 향후 연구 및 논의의 진행 방향을 제시한다. 

이 책은 서울문화재단의 예술가 교사(TA)들이 서울시 초등학교 돌봄교실 어린이들을 대상으로 개발하고 운영한＜예술로 돌봄＞사업의 수업 지도안으로 구성되었다. 무용과 연극, 시각예술, 문학, 음악 등 다양한 장르가 융합된 수업들을 ‘상호작용’, ‘변형’, ‘움직임’, ‘상상’이라는 네 개의 주제로 나누어 소개한다.이 책에서는 구체적 교육 방법론을 다룬 ‘TA 가이드’를 각 주제마다 수록하여 예술강사들이 교육 현장에서 활용 가능한 실질적 정보를 제공한다.

서울문화재단이 진행하는 초등 교과연계 창의예술수업 지원 사업 [예술로 플러스]에 참여한 예술가 교사(TA)와 교사들의 활동 과정을 담은 책이다. [예술로 플러스] 사업은 다양한 장르의 예술을 교과수업과 연계하고, 예술가 교사(TA) 2인의 팀티칭으로 진행된다. 이 책의 1부에서는 실제 수업 커리큘럼 개발을 위한 회의 과정을 보여주고 2부에서는 수업이 진행되는 과정을 다룬다. 그리고 중간중간 사업에 참여한 예술가 교사(TA)와 교사들의 인터뷰를 삽입하여 하나의 수업이 만들어지고 실행되는 과정과 그 안에서 참여자들의 고민을 종합적으로 파악할 수 있다.  

이 책은 미국 웨인 주립 대학에서 티칭 아티스트 172명을 대상으로 진행된 ‘공연 예술을 통한 도시 커뮤니티와 문화 변화’ 연구에 기초하여 쓰였으며, 연극과 무용 교육 분야에서 제기되는 이슈들을 해결하기 위한 다양한 제언을 담고 있다. 예술가로서의 창작 활동과 교육 현장에서 가르치는 일을 병행하는 티칭 아티스트들의 목소리를 통해 연극과 무용 교육 현장에서 생성되는 현장감 있는 질문을 독자들에게 던진다. 무용과 연극의 장르적 특성에만 머무르지 않고 티칭 아티스트들이 활동하는 현장을 둘러싼 사회적 배경과 실제 수업 현장에서 도출된 이슈들을 깊이 있게 다룬다.