arte 라이브러리

이 책은 무언가 만들고 실패하더라도 다시 연구하는 여정 자체를 즐기는 릴리쿰의 활동을 소개하고 있다. 릴리쿰에서는 ‘만들기’를 새로운 삶의 방법으로 취하여 환경과 일상을 복원하려는 사람들이 모여 활동한다. 그들은 유행처럼 번져가는 ‘메이커 운동’에서 핵심은 만드는 행위 자체에서 머무는 것이 아니라 소비에 익숙해진 환경에서 능동적인 삶의 태도를 발견하는 것이라고 말한다. 이를 통해 ‘손으로 만드는 삶’ 자체에 대한 깊은 고민과 기쁨을 보여준다. 참고 자료 : 아르떼 365 “목적지가 아니라 여정이다_박지은 릴리쿰 공동대표 인터뷰” (http://www.arte365.kr/?p=69024)

이 책은 1970년대 초부터 40여 년간 링컨 센터 인스티튜트의 상주 철학자로 활동하며 심미적 체험을 통한 예술 교육의 개념을 설파해온 맥신 그린 박사의 강의록을 담고 있다. 박사는 심미적 교육이란 단순히 예술을 기능적으로 교육하는 것이 아니라 예술 작품을 상상력을 발휘해 나만의 관점으로 능동적으로 재해석하며 이것을 통해 나와 세계의 변화에 예민하게 반응하는 깨어있는 인간으로 거듭나게 하는 것이라고 정의한다. 이러한 교육을 위해서 학생들과의 접점이 많은 교사들부터 심미적 체험을 통해 감수성을 회복하는 경험이 필요하다고 주장한다.

서울문화재단의 ‘창의예술교육과정’의 강의록을 모아서 만든 책으로, 예술 교육과 미적 체험에 대한 연극, 시각, 음악, 무용, 교육학 분야 전문가들의 관점을 소개한다. 예술 교육이란 무엇이며 각 장르적 특성과 어떻게 연계가 되고 현장의 수업으로 이어지는지에 대한 전문가들의 성찰 과정을 보여준다.

이 책은 문화예술교육의 선진 사례로 자주 소개되는 북유럽 4개국의 예술교육 현장을 학자, 예술교육 프로그램 프로듀서, 서울문화재단 문화예술교육 실무자가 답사하고 온 뒤 작성한 보고서이다. 핀란드 헬싱키의 아난딸로 아트센터, 스웨덴의 서커스 시르쾨르, 영국의 로열오페라 하우스, 벨기에의 ABC센터(Art Basics for Children)의 구체적 사례를 담고 있으며, 북유럽 4개국의 교육 정책과 관계자 인터뷰를 함께 실었다. 

시시각각 변하는 사회에서 앞으로의 교육은 어떤 방향이어야 할까? 저자는 지식을 일방적으로 전달받는 기존의 교육 시스템과는 다른, 예술을 통해 질문하고 스스로 성찰하는 통합예술교육의 개념을 소개한다. 이 책은 통합예술교육 입문서로서 통합예술교육의 정의와 기본개념, 등장 배경, 효과와 특징을 설명하고, 통합예술교육의 구체적인 사례와 발전 과제를 설명하며 향후 연구 및 논의의 진행 방향을 제시한다. 

이 책은 서울문화재단의 예술가 교사(TA)들이 서울시 초등학교 돌봄교실 어린이들을 대상으로 개발하고 운영한＜예술로 돌봄＞사업의 수업 지도안으로 구성되었다. 무용과 연극, 시각예술, 문학, 음악 등 다양한 장르가 융합된 수업들을 ‘상호작용’, ‘변형’, ‘움직임’, ‘상상’이라는 네 개의 주제로 나누어 소개한다.이 책에서는 구체적 교육 방법론을 다룬 ‘TA 가이드’를 각 주제마다 수록하여 예술강사들이 교육 현장에서 활용 가능한 실질적 정보를 제공한다.

서울문화재단이 진행하는 초등 교과연계 창의예술수업 지원 사업 [예술로 플러스]에 참여한 예술가 교사(TA)와 교사들의 활동 과정을 담은 책이다. [예술로 플러스] 사업은 다양한 장르의 예술을 교과수업과 연계하고, 예술가 교사(TA) 2인의 팀티칭으로 진행된다. 이 책의 1부에서는 실제 수업 커리큘럼 개발을 위한 회의 과정을 보여주고 2부에서는 수업이 진행되는 과정을 다룬다. 그리고 중간중간 사업에 참여한 예술가 교사(TA)와 교사들의 인터뷰를 삽입하여 하나의 수업이 만들어지고 실행되는 과정과 그 안에서 참여자들의 고민을 종합적으로 파악할 수 있다.  

이 책은 미국 웨인 주립 대학에서 티칭 아티스트 172명을 대상으로 진행된 ‘공연 예술을 통한 도시 커뮤니티와 문화 변화’ 연구에 기초하여 쓰였으며, 연극과 무용 교육 분야에서 제기되는 이슈들을 해결하기 위한 다양한 제언을 담고 있다. 예술가로서의 창작 활동과 교육 현장에서 가르치는 일을 병행하는 티칭 아티스트들의 목소리를 통해 연극과 무용 교육 현장에서 생성되는 현장감 있는 질문을 독자들에게 던진다. 무용과 연극의 장르적 특성에만 머무르지 않고 티칭 아티스트들이 활동하는 현장을 둘러싼 사회적 배경과 실제 수업 현장에서 도출된 이슈들을 깊이 있게 다룬다.

줄리아드 음대와 링컨센터 등에서 30여 년 동안 음악을 가르쳐온 에릭 부스의 음악 교육에 대한 경험과 철학, 사례들이 집대성된 책이다. 그는 기술적으로 가르치는 음악이 아니라 음악을 통해 나의 삶의 의미를 발견하고 변화시키는 과정의 중요성을 말하면서 이 과정에서 음악을 가르치는 예술가는 어떤 역할을 해야 하는지 설명한다. 교육 참여 예술가들의 정체성을 제시하며 이들이 실제 수업에서 마주하게 될 어려움을 예리하게 집어낸다. 그리고 이에 대한 효과적인 교육 사례를 소개하며 현장에서 고민하고 있는 많은 사람들에게 음악 교육에 대한 중요한 관점을 제공한다. 

『성찰하는 티칭아티스트: 연극예술교육에서의 집단 지혜』(한울아카데미, 2017)는 티칭아티스트가 누구이며 무엇을 하는 사람인지 소개하는 동시에 티칭아티스트가 성장하기 위한 실제적인 방법을 제시한다.  저자는 때로는 외롭고, 모호하기도 한 예술교육의 현장에서 지속하게 성장하기 위해서는 꾸준히 '성찰'해야 한다고 이야기한다. 더불어 구조적인 '성찰'의 방법을 소개하며, 연극예술교육의 다양한 현장에서 활동하는 티칭아티스트들의 25가지 사례를 통해 성찰의 모델을 제시한다.

『새로운 창의적 공동체』에서는 공동체를 지향하는 예술가들이 예술을 매개로 이웃, 조직, 사회를 변화시키는 과정을 광대한 사례들로 짚어낸다. 사례 속 예술가들은 동시대에 일어나는 이슈들을 꺼내놓고 함께 대안적 방식을 탐색할 수 있도록 제안한다. 탐색은 참여를 촉진하고, 행동으로 이어진다. 그들은 비록 문화와 계층은 서로 달라도 공동의 목적을 지닌 여러 사람들 간의 이해를 독려한다.      

 『문화예술교육은 왜 중요한가 - 21세기 창의 세대를 위한 철학과 비전』(열린책들, 2015)는 지난 15년 간 영국의 창의 산업과 창의 교육을 이끈 세 정책가들의 기록을 담고 있으며, 그들이 이끈 영국 문화예술교육의 철학과 비전, 방향을 소개한다. 이 책은 창의를 동력으로 삼는 경제성장을 위한 문화예술교육에서 나아서 그 자체로 삶의 질을 바꾸는 문화예술교육의 본질에 더 집중한다는데에 의미가 있다. 책에서 소개하는 영국의 문화예술교육 정책 성공사례는 소수 정부 기관이나, 지역, 개인들이 개별적으로 풀어가기 보다 국가 전체가 문화예술교육에 대한 철학과 비전을 가져야 함에 대해 이야기한다.    

저자 파블로 엘게라는 정체성이 아직 모호한 '사회 참여 예술'을 정의하고, 이를 실행하는 과정에 필요한 실전적인 가이드 라인을 제시한다. 저자는 성공적인 사회 참여 예술 사례, 사회 참여 예술과 유사한 작품 사례 등 구체적이고 다양한 사례들과 교육학적 방법론과 같은 다른 학술적 연구 성과들을 소개하며, 예술 행위를 해석하는데 있어서도 비판적인 태도가 필요하다고 주장한다.    

이 책은 효율과 계량화에 경직된 공교육에 새로운 담론을 제시하는 책이다. 저자는 가장 먼저 공교육에 예술을 포함하는 것에 반대하는 논리들을 가치, 시간, 측정, 재능, 전문 기술, 자금, 자율성 등 일곱 가지로 나누어 제시한 후, 각 주장에 대한 반박의 논리를 열거한다. 또한 다른 수업에서는 절대 배울 수 없거나 배우기 힘든 예술만의 고유한 특성과 의미들을 체계적으로 나열한다. 결론에는 예술을 학교 교육 과정에 포함해야 한다는 주장을 넘어 예술을 교육의 전면과 중심에 놓아야 한다는 주장까지 이른다. 예술을 정규과목으로 편성해야하는 이유에 대해 명쾌하고도 감동적으로 설명하는 책이다.

"세상을 바꿀 인재는 어떻게 만들어 지는가"    『이노베이터의 탄생』(열린책들, 2013)     교육 전문가 토니와그너는 미래 경제를 이끌어갈 핵심 전략은 혁신적인 젋은이들의 육성이라고 말한다. 그는 창의적인 인재를 양성하기 위해 젋은이들의 가능성을 어떻게 표출하게 할 것 인지를 분석, 미래의 이노베이터로 성장 가능한 방법들을 의욕적인 청년, 부모, 기업가들에게 제시한다.  

이 책에서는 문화예술교육에서 가장 곤혹스러운 이슈인 평가, 이 책에서는 본질을 놓치지 않는 대안적인 문화예술교육 평가 방법에 대해 이야기한다.   문화예술교육의 다양한 평가 사례를 경험하고 더 나은 평가 방법을 모색해 온 무용, 음악, 연극, 시각예술 분야의 전문가들은 공통적으로 문화예술교육의 성장과 반대되는 정량적이고 객관적인 평가 대신 입체적이고 과정적인 방법들이 필요하다고 한다.   지은이는 단순히 문화예술교육 평가의 현실을 비판하는 것에서 나아가 비판적으로 수용하며 실질적으로 문제를 해결해 나갈 수 있어야 한다고 말한다. 늘 평가에 대해 고민하는 현장의 문화예술교육가에게 대안적인 평가의 방법들을 실행해 볼 수 있도록 격려하는 책이다.

이 책은 오늘날의 문화 혹은 문화예술교육론이 올바르게 이해 되기 위해서는 근대와 근대의 극복, 탈근대라는 정신사적 맥락을 먼저 살펴야한다는 철학적 문제의식에서 출발했다.   다소 생경하고 어려울수도 있는 내용이지만 작가의 문제의식에 공명하고, 문화예술교육론이 출발된 철학적 지형을 이해해야만 문화예술교육이 지향하는 결실을 맺을 수 있다고 이야기 하는 책이다.  

『문화예술교육사업과 파트너십』은 문화예술교육을 이루는 관계자 간 파트너십 구축 및 문화예술교육사업의 성과를 체계적으로 도출하기 위해 고려해야 할 지점들을 꼼꼼히 정리한 책이다.   1장에는 문화예술교육사업의 운영 과정 및 구조를 쉽게 파악할 수 있도록 문화예술교육 사업의 개념, 특성, 목적, 가치, 유형, 경영체계 등이 정리되어 있다.   2장에서는 문화예술교육 파트너십의 개념과 중요성, 파트너십의 수요, 파트너십 구축에 영향을 미치는 요인, 현재 우리나라 문화예술교육정책 사업의 파트너십 구축실태 등을 순차적으로 설명하며, 현장의 문화예술교육 기획자와 행정 인력들이 사업 이해자 간 긍정적인 파트너십 방법을 모색해 볼 수 있도록 안내한다.   3장에서는 파트너십을 체계적으로 구축하기 위한 14개의 방법을 제시하며, 마지막 4장에서는 문화예술교육사업 성과관리의 개념과 중요성, 체계적인 성과관리를 위해 필요한 요소들을 구체적으로 제시한다.

『예술교육을 넘어서: 열개의 문화고원』(한길아트, 2008)은 ‘기능 교육으로서의 예술교육’, ‘커뮤니케이션 교육으로서의 문화교육’이라는 용어적 오해와 편견 대해 새로운 해석을 제시한다.   이 책에서는 ‘문화교육’과 ‘예술교육’ 모두 예술적 감수성과 문화적, 사회적 의미를 충분히 담을 수 있다고 이야기한다.   예술교육과 문화연구의 관계, 예술교육의 창의성을 새롭게 이해하기, 예술교육의 문화적 관점을 사유하기 위한 패러다임의 전환, 예술교육과 문화다양성, 소수자를 위한 예술교육, 테크놀로지 시대의 예술교육의 전환, 카니발적인 예술교육의 과제와 같은 주제들로 예술교육을 문화적 관점으로 이해하고 재구성할 수 있도록 이끈다.

 “당신은 스스로 생각하는 것 이상의 존재다 라는 말에 모순이 있다”라는 문제제기로부터 출발하는 이 책은 세계 각지에서 창의성을 갖춘 인재를 절박하게 필요로 하며 인재 육성에 많은 자원을 투자하지만 점점 창의적 인력의 공급과 수요의 간극이 차가 커지는 이유에 대해 질문한다.  지은이 켄 로빈슨은 이 문제를 해결하기 위해서는 근본적인 원인부터 들여다봐야 하며, 창의성에 대해 다음과 같은 새로운 해석들이 필요하다고 말한다.     “모든 사람은 창의적이지만, 그것을 자각하지 못하는 경우가 많다” “창의력은 모든 조직의 가장 큰 자산이다.” “창의력을 개발하고 활용하기 위해서는 이른바 ‘창의적 인력을 배치한 독립부서’를 포함한 조직 전체에 혁신의 문화를 전파할 수 있는 체계적인 전략이 필요하다.”   내 안의 창의력을 깨우는 일곱가지 법칙(한길아트, 2007) 본문 중     또한 조직 내 잠재되어있는 창의적 인재와 요소를 최대한 활용하기 위해 반드시 해결해야 할 세 가지 문제를 구체적으로 제시하며, 보다 현실적이고 효과적인 창의력 키우기의 방법을 제시한다.